bogachkova1957

Categories:

Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа

В ГМИИ им. А.С. Пушкина выставка «Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа». В экспозиции представлено 80 живописных и графических работ из собрания Галереи Тейт в Лондоне.

Термин Лондонская школа был введен в обиход художником Р.Б. Китаем в 1976 году для обозначения ряда выдающихся лондонских художников, в работах которых в центре внимания была человеческая фигура. Впоследствии его стали употреблять в основном применительно к группе из шести художников, в которую входили Франк Ауэрбах, Фрэнсис Бэкон, Р.Б. Китай, Леон Коссоф, Люсьен Фрейд и Майкл Эндрюс.

Помимо этих мастеров на выставке представлены еще четыре художника, чьи творческие и педагогические установки, методы работы, а также обстоятельства биографий позволяют причислить их к Лондонской школе, — это Юэн Аглоу, Дэвид Бомберг, Уильям Колдстрим и Паула Регу.

В противовес абстракционизму и концептуализму мастера Лондонской школы развивали традицию фигуративной живописи. Не стремясь следовать направлению развития актуальных художественных течений, эти художники видели свою задачу в передаче реальных, «жестоких» сторон жизни, в выражении чувственно-осязаемой действительности. Нагляднее всего это демонстрируют работы Дэвида Бомберга и его учеников – Франка Ауэрбаха и Леона Коссофа. 

В центре внимания художников Лондонской школы оказалось человеческое тело; передаче его уязвимости и одновременно жизнеспособности посвящены многие работы художников. 

Марина Лошак, директор ГМИИ им. А.С. Пушкина: «В драматичное послевоенное время, связанное с болью утрат и переоценкой социальных, философских и культурных парадигм, искусство взяло на себя смелость не только вновь поднимать самые сокровенные, самые “проклятые” вопросы, но и пытаться давать на них ответы. Один из таких вопросов – что значит быть человеком, личностью в век массовой субъективности, сформированной всепроникающими “машинами желания”? Как противостоять пространству симуляции – пространству, в котором ничто не правда, все относительно? Рецепт британских художников заключался в том, чтобы зацепить самые сильные эмоциональные струны, апеллировать к самым глубинным человеческим чувствам, таким как физическое ощущение присутствия себя в пространстве или тактильное, осязательное восприятие окружающего мира. Их живопись практически всецело про интенсивность переживания и, конечно, – всегда про человека. На картинах, представленных на выставке, человек чаще всего наг и беззащитен: эти образы испытывают и нашу реакцию, и чувствительность – проверяют, живы ли мы». 

Хочу сразу поставить все точки над i. Мне лично такая живопись чужда, эмоциональна неприятна. Но это не значит, что ее нужно игнорировать. Поэтому, несмотря на свое неприятие, представлю работы этих художников на ваш суд. 

Уильям Колдстрим, Дэвид Бомберг, Френсис Бэкон и Люсьен Фрейд в 1930-1940-е годы независимо друг от друга выработали новые подходы к реалистической живописи, выйдя далеко за рамки академических фигуративных стилей. Они подвергли переосмыслению способ взаимодействия художника с реальностью, попытавшись не столько отобразить, сколько воссоздать ее в красках.

Уильям Колдстрим (1908-1987)

Основу скрупулезной живописной манеры Колдстрима конца 1930-х годов составлял непрерывный процесс измерения расстояний между отдельными элементами при работе с натуры – фиксация снятых мерок на холсте подчеркивала искусственность его пластических конструкций. 

Уильям Колдстрим. Инес Спендер. 1937-1938. Холст, масло. Галерея Тейт.
Уильям Колдстрим. Инес Спендер. 1937-1938. Холст, масло. Галерея Тейт.

Изображение первой жены поэта Стивена Спендера относится к серии портретов близких людей, которую Колдстрим создал между 1936 и 1939 годами. Эта картина, для которой модель позировала около 40 сеансов, была признана «шедевром аналитического реализма». Спендер заказал портрет жены в период их скоропалительного, но недолгого брака. Одежда и нетипичная для того времени короткая стрижка характеризуют изображенную как человека, принадлежащего к интеллектуальным кругам.

Уильям Колдстрим. Сидящая обнаженная. 1952-1953. Холст, масло. Галерея Тейт.
Уильям Колдстрим. Сидящая обнаженная. 1952-1953. Холст, масло. Галерея Тейт.

Эта картина – первая из большой серии штудий обнаженных моделей. С 1952 года художник много раз обращался к жанру Ню. Обращение к такой отвлеченной теме, как обнаженное человеческое тело, отвечало стремлениям Колдстрима к эмпиризму в искусстве. Он говорил: «Когда я рисую непосредственно с натуры, я чувствую, что результат в меньшей степени зависит от меня самого, нежели когда рисую, беря сюжет из головы.  Я чувствую, что в этом есть нечто безличное, что-то неположное мне, что я не слишком причастен к этому». 

Среди учеников Колдстрима были Эндрюс, Аглоу и Регу

Дэвид Бомберг (1890-1957)

Бомберг уже в 1920-е годы оставил увлечение кубизмом и футуризмом и перешел к реалистической и чувственной манере, тем не менее сохраняющей аналитичность, присущую этим стилям. Он подчеркивал важность передачи тактильного, физического ощущения от увиденного, что нашло отражение и в творчестве учившихся у него Ауэрбаха и Коссофа.

Дэвид Бомберг. Обнаженная. 1943. Холст, масло. Галерея Тейт.
Дэвид Бомберг. Обнаженная. 1943. Холст, масло. Галерея Тейт.

В этом произведении Дэвид Бомберг обращается к нехарактерной для себя теме, поскольку редко писал натурные штудии. Для изображения модели художник выбирает довольно необычный ракурс: лежащая на кровати женская фигура развернута таким образом, что ее лицо оказывается скрытым от зрителя, а тело, напротив, словно выставлено на обозрение. При этом, несмотря на явную откровенность работы, она напрочь лишена эротической составляющей. Поза женщины кажется неестественной, а тело безжизненным. Исследователь творчества Бомберга Ричард Корк так писал об этом полотне: «…ни одна обнаженная не могла казаться более одинокой, и Бомберг наверняка проецировал на нее свое собственное опустошающее чувство изолированности». Отмечая, что Бомберг никогда больше не изображал женское тело с такой откровенной прямотой, Корк также проводит параллель между его «Обнаженной» и натурными штудиями художника Уолтера Сикерта, лидера основанной в 1911 году группы Кэмден-Таун. Сикерт прославился картинами, в которых изображал обнаженных женщин в домашних интерьерах, чаще всего лежащими на кроватях, фокусируясь при этом не на лицах моделей, которых практически не видно, а на положении их тел в пространстве. Безвольно развалившееся на кровати тело «Обнаженной» Бомберга невольно вызывает ассоциации с сюжетами криминальной хроники, такими как убийство проститутки в 1907 году в лондонском районе Кэмден-Таун, по горячим следам которого Сикерт создал цикл картин «Убийство в Кэмден-Тауне». Бомберг, безусловно, испытал влияние творчества Сикерта, у которого изучал рисунок в Вестминстерской школе искусств с 1908 по 1910 год. Не исключено, что его «Обнаженная» стала своеобразной данью учителю, умершему за год до создания картины. Примечательно, что на протяжении своей жизни художник никому не показывал эту работу, за исключением близких ему людей.

Дэвид Бомберг. Вигилант. 1955. ДВП, масло. Галерея Тейт.
Дэвид Бомберг. Вигилант. 1955. ДВП, масло. Галерея Тейт.

В 1954 году Бомберг, устав от постоянной нехватки внимания со стороны критики, вернулся в Испанию. Именно там им была создана серия «воображаемых портретов», к которым относится и данная работа. Моделью для нее послужила пожилая цыганка, однако, по сути картина стала отражением физического и душевного состояния художника. Сталкиваясь с постоянным непониманием, Бомберг становился все более замкнутым и уязвимым, словно занял оборонительную позицию. Название картины буквально переводится с испанского как «бдительный», а фрагментированный характер изображения, вероятно, призван подчеркнуть состояние физической деградации, увядания плоти.

Франк Ауэрбах (р. 1931)

Франк Ауэрбах. Голова Э.О.У. 1959-1960. Бумага, уголь, акварель. Галерея Тейт.
Франк Ауэрбах. Голова Э.О.У. 1959-1960. Бумага, уголь, акварель. Галерея Тейт.

Эстелла Оливия Уэст (Э.О.У.) была постоянной моделью Ауэрбаха с конца 1940-х годов и вплоть до 1973 года. Этот рисунок был полностью выполнен с натуры, его создание потребовало почти 70 сеансов. Для Ауэрбаха было характерным беспрестанно рисовать, стирать и переделывать изображение, так что окончательный образ выстраивался за счет многочисленных предшествующих проработок. В портретах Ауэрбаха зрительное впечатление от модели будто представлено в сконцентрированном виде, В результате длительного процесса работы бумага рвалась и протиралась, из-за чего приходилось подклеивать дополнительные листы и даже делать заплатки.

Франк Ауэрбах. Гостиная. 1964. Оргалит, масло. Галерея Тейт.
Франк Ауэрбах. Гостиная. 1964. Оргалит, масло. Галерея Тейт.

Ауэрбах писал эту картину в своей мастерской в Кэмден-тауне. Здесь изображена гостиная в доме его возлюбленной Эстеллы Оливии Уэст в Брентфорде. В этом доме художник любил проводить время, и в 1963–1965 годах он ездил туда трижды в неделю по вечерам, чтобы писать портрет Стеллы. Одновременно он начал делать зарисовки комнаты и ее обстановки. На данной картине слева - профиль Стеллы с убранными назад огненно-рыжими волосами, она наклонилась вперед, сидя в кресле, а в кресле напротив сидит ее дочь Джулия. Середину комнаты занимает высокий торшер с загнутым абажуром – основной источник света и самое светлое пятно в композиции. В правом верхнем углу композиции находится окно, за которым угадывается вид на вечернюю улицу. На стене над каминной полкой висит картина в квадратной раме – портрет Стеллы, выполненный Ауэрбахом. Объект в прямоугольной рамке в углу комнаты – черно-белая фотография умершего мужа Стеллы. 

Наряду с обращением к человеческой фигуре, для художников Лондонской школы характерен интерес к пейзажному жанру. Созданные образы Лондона связаны с личными историями и субъективным восприятием города, в метафорическом смысле они оказываются своеобразными экзистенциальными автопортретами их авторов. Живопись как глубоко автобиографический процесс – вот что интересовало художников, в том числе и Ауэрбаха. 

Франк Ауэрбах. К мастерским. 1990-1991. Холст, масло. Галерея Тейт.
Франк Ауэрбах. К мастерским. 1990-1991. Холст, масло. Галерея Тейт.

Ауэрбах с 1954 года работал в Кэмден-Таун на севере Лондона. Это масштабное полотно из череды произведений с изображением той городской среды, что находилась за порогом его мастерской. Мазки кисти здесь более свободные, чем в ранних вариантах картин из этой серии, а палитра более светлая и яркая. В 1980-е годы Ауэрбах стал также больше внимания уделять членению изображения на планы и передаче ощущения глубины.

Леон Коссоф (р. 1928)

Леон Коссоф. Уиллесден Джанкшн. Октябрьское утро. 1971. Оргалит, масло. Частное собрание.
Леон Коссоф. Уиллесден Джанкшн. Октябрьское утро. 1971. Оргалит, масло. Частное собрание.

Коссоф родился в Лондоне и всю жизнь работает в этом городе. «Уже в 12 лет я рисовал и писал виды Лондона» - говорил художник. Сюжетами его произведений становились места со следами от взрывов бомб, участки, где велись земляные работы, а также железнодорожные станции и залы ожидания при них, крытые бассейны – грубые факты повседневной городской жизни. Темам соответствовала и манера работы художника: как видно на этой картине, Коссоф подчеркивал материальность мазка, буквально вылепляя с помощью краски и плывущие в небе облака и стальные конструкции, нависающие над бегущими вдаль железнодорожными путями.

Леон Коссоф. Снос старого дома. Далтон Джанкшн. 1974. ДВП, масло. Галерея Тейт.
Леон Коссоф. Снос старого дома. Далтон Джанкшн. 1974. ДВП, масло. Галерея Тейт.

На картине изображен вид из мастерской художника на Далтон Лэйн в Лондоне, которую он снял в декабре 1971 года для занятий натурными штудиями и чтобы рисовать виды из окон. Здесь художник запечатлел вид в сторону района Кэнонбери, слева можно разглядеть рельсы, ведущие к пригородной станции Далтон-Кингленд. Коссоф чувствовал особую связь с районом Далтон, где он вырос и ходил в школу, и стремился запечатлеть в своих картинах стремительно меняющийся облик и саму «текстуру» хорошо знакомых ему мест.

Леон Коссоф. Две сидящие фигуры №2. 1980. Оргалит, масло. Галерея Тейт.
Леон Коссоф. Две сидящие фигуры №2. 1980. Оргалит, масло. Галерея Тейт.

Данная картина – это уникальный пример отступления Коссофа от привычных творческих методов. Обычно он работал над картинами по нескольку месяцев и даже лет, беспристрастно соскребая красочный слой и переписывая изображение. Это произведение, напротив, художник написал за несколько часов, как «прямое и безотлагательное продолжение» двух рисунков, исполненных в тот же день. Герои картины – родители Коссофа, еврейские иммигранты из Украины, детьми приехавшие в Англию в начале XX века.

Леон Коссоф. Храм Христа, Спиталфилдс. Утро. 1990. ДВП, масло. Галерея Тейт.
Леон Коссоф. Храм Христа, Спиталфилдс. Утро. 1990. ДВП, масло. Галерея Тейт.

«Лондон, как и краска, которую я использую, кажется течет в моих жилах. Он всегда находится в движении. Небо, улицы, здания, люди, проходящие мимо меня, когда я рисую, все стало частью моей жизни». Отдельную серию картин Коссоф посвятил видам на церковь Христа в Спиталфилдсе, построенную в первой половине 18 века по проекту архитектора Николоса Хоксмана. 

Этот выдающийся памятник архитектуры английского барокко сохранился по большей части неизменным, не смотря на многочисленные трансформации окружающего района. К этому мотиву Коссоф впервые обратился еще в 1950-е годы, когда собор стоял наполовину разрушенный, и часто возвращался к нему в 1980 и 1990-е годы. В данной работе художник акцентирует внимание на соотношении крошечных фигур людей на улице и принимающего угрожающие размеры объема церкви. Здание храма кажется находящимся в движении, будто схваченным краем глаза. Этот эффект усиливает и манера письма художника – когда объем здания лепится фактурными крепкими мазками и выбранная точка зрения на собор. Коссоф изображает его с близкого расстояния, так что вся постройка оказывается представлена в резкой перспективе.

Леон Коссоф (р. 1928). Портрет Анны. 1993. Оргалит, масло. Галерея Тейт.
Леон Коссоф (р. 1928). Портрет Анны. 1993. Оргалит, масло. Галерея Тейт.

Продолжение в следующем блоге.


Error

Anonymous comments are disabled in this journal

default userpic